A Single Man. Minorias invisibles.

Tom Ford debuta como director, guionista y productor con A Single Man, una muy interesante película basada en la novela de Christopher Isherwood.

A pesar de que el protagonista, magníficamente interpretado por el genial Colin Firth, es un profesor universitario maduro y homosexual, la historia no trata sobre la homosexualidad y como es llevada en la sociedad norteamericana de los años sesenta. La película habla sobre los miedos. Sobre el miedo de la sociedad ante las minorías, sobre todo cuando estas se hacen invisibles, y, ante todo, sobre el miedo al progresivo acercamiento de la vejez y la muerte y la posibilidad de tener que afrontar ambas en la soledad.

No es, por tanto, por azar que la historia se ambiente en la Norteamérica de la década de los sesenta y, mas concretamente, en los días de la crisis de los misiles, momento de máxima paranoia en la historia de los estados Unidos donde sus ciudadanos estaban convencidos de tener un comunista acechando tras cada esquina.

A lo largo de la película veremos como los dos personajes centrales, interpretados por Colin Firth y Julianne Moore, ambos solitarios, aunque por diferentes motivos, han elegido afrontar esa etapa de la vida en la que cada día que pasa es un día que te acerca más a tu propia muerte.

El director, tras ofrecernos un genial y prácticamente mudo arranque de la película, utiliza de forma muy inteligente las variaciones en la saturación del color para separar los recuerdos de días mas felices del protagonista frente a su actual y gris existencia. Sin embargo, ni el genial arranque, ni lo interesante de algunos planteamientos del filme, ni las geniales interpretaciones de dos actores que se encuentran, para mí, entre los mas grandes del actual panorama actoral, bastan para que esta película, excesivamente tediosa y reiterativa en muchos momentos, consiga superar el notable.

Concluiremos, pues, definiendo A Single Man como una buena película con aspectos muy interesantes.

Para ver el trailer pinchad aquí.

Air Doll. Los vacíos de la vida.

Tras Still Walking, película que todavía tengo pendiente de ver, el japonés Hirokazu Kore-eda presentó en el pasado festival de Cannes Air Doll (Kuki Ningyo), su último trabajo.
Air Doll es una película que, a pesar de provenir de un manga de Yoshiie Goda publicado hace diez años y a pesar de partir de una premisa de cine fantástico, destila poesia, belleza, compasión, soledad y tristeza en todas y cada una de sus escenas.
La historia de esta película, si es que cuenta alguna, gira en torno a una muñeca hinchable que un hombre solitario ha comprado para que sustituya a la novia que acaba de abandonarle.

La novedad con respecto a otras historias que podrían venirnos a la cabeza, como sería el caso de Tamaño Natural (Luis García Berlanga, 1974), reside en el hecho de que el protagonista, en este caso, no es el atormentado y solitario fetichista, sino la propia muñeca.

Nozomi, la muñeca, encuentra su corazón y cobra vida, dedicándose, desde ese instante, a pasear por las calles de Tokio vestida de fantasía erótica.

Con Ping Bing Lee (operador responsable de In The Mood For Love, absoluta obra maestra de Wong Kar Wai) tras la cámara nos emocionaremos con la belleza de los paseos de nuestra hinchable muchacha; paseos en los que tomará contacto con una mujer que mantiene un desigual combate contra los estragos causados por el paso del tiempo, un anciano que vive sus últimos días, un dependiente de video-club que se siente tan vacío como la propia muñeca, una joven bulímica y una niña que vive la ausencia de su madre. Paseos que le acabarán llevando a enfrentarse con su creador en una magistral escena.

La película nos habla sobre el significado de la vida. Una vida que ha sido diseñada llena de vacíos, de manera que no hay manera de afrontarla en soledad, se hace necesario compartirla con personas que nos complementen y vayan llenando dichos vacíos. Una vida en la que, tanto en las relaciones laborales como en las personales somos meros sustitutos y, como tales, podemos ser sustituidos en cualquier momento.

Kore-eda también nos habla de la soledad, pero no de cualquier tipo de soledad, de la soledad en compañia de otros que suele venir asociada a la vida en la gran ciudad.

Toda la película está plagada de mágicos momentos llenos de poesía.

De todos ellos yo me quedo con la conmovedora escena en la que el dependiente del video-club insufla aire y vida a través de la válvula de la muñeca que está desinflándose en el suelo tras un accidente. Más adelante se repetirá el mismo acto en otra gran escena cargada de belleza y erotismo.

Air Doll es una excelente película que da para que se hable mucho sobre todo lo que muestra, que puede (y debe) verse más de una vez, que ofrece momentos de gran belleza y emoción y a la que solo puede reprochársele el desinflarse un poco, y nunca mejor dicho, al aparecer los personajes secundarios.

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The Pacific. Al César lo que es del César.

Tras haber terminado de ver en su totalidad la serie de HBO The Pacific, me veo en la obligación de escribir un nuevo artículo sobre ella con el fin de ser completamente justo en la valoración que me merece.

A pesar de que la serie, en su conjunto, sigue adoleciendo de aquello que ya apunté en el comentario que publiqué tras haber visto los dos primeros capítulos, lo cierto es que, posteriormente, nos ha ofrecido momentos de gran calidad.

Me refiero a dos momentos puntuales en sendos capítulos dedicados a la campaña acontecida en la isla de Peleliu.

En el primero de ellos asistimos a un desembarco norteamericano en el que, a medida que iban bajando las puertas de la lancha de desembarco, los marines eran deslumbrados por el sol del Pacífico de forma que un resplandor blanco acababa ocupando la totalidad de la pantalla haciendonos presagiar de esta manera la muerte que se cernía sobre la mayoria de esos jóvenes soldados. Magistral secuencia.

En el segundo de ellos, en una escena aparentemente sin importancia, uno de los soldados compartía con sus compañeros su última reserva de agua en una gran muestra de hermandad en la batalla.

Estos dos momentos fueron descubrimientos muy satisfactorios en lo que, hasta ese momento, estaba resultando una experiencia de lo más anodina. A partir de ahí el nivel mejoró con dos nuevos y grandes aciertos.

Por un lado pudimos contemplar el paulatino embrutecimiento del soldado Eugene, hábilmente retratado (quizá se le podría haber dado mas profundidad a este proceso, pero entonces estaríamos hablando de otro tipo de serie).

Por otro lado en esta ocasión se le dedicó, cosa que se echó a faltar en Band Of Brothers, todo un capítulo a mostrarnos que sucedía con esos jovenes a su regreso a sus respectivos hogares. Pudimos ver como, en algunos casos, caían en profundas depresiones al verse abrumados por una vida para la que no habían sido entrenados.

En definitiva, que, tras mi anterior artículo, escrito tras haber visto tan solo dos capítulos de una série compuesta por diez y en el que solo reflejaba los defectos que había encontrado, me sentía con la necesidad de dar al César lo que es del César y apuntar, también, los aciertos que esta série ha tenido. Estamos en paz.

Para ver un trailer de la série, pinchad aquí.

Kick-Ass. Listo para machacar

Dave Lizewski es un pardillo de instituto, geek de los comics de superhéroes, blanco de los abusones e invisible para las chicas. Podría ser un perfecto Peter Parker, pero no es especialmente inteligente, ni especialmente gracioso, ni se cruzará en su camino ninguna araña radiactiva.

Dave ha perdido a su madre, pero ha sido a causa de un aneurisma cerebral que la dejó seca mientras tomaba sus cereales de desayuno, de forma que el muchacho tampoco es un Batman que, carente de super-poderes pero con ilimitados recursos económicos, busque venganza.

Sin embargo el chico acaricia la idea de convertirse en justiciero enmascarado. Él está convencido de que una persona puede marcar la diferencia y que no es necesario disponer de ninguna habilidad especial para enfundarse un llamativo traje, esconder su rostro tras una máscara y patrullar la ciudad ayudando a quién lo necesite,...siempre y cuando sea antes de las 21 hrs, ya que a esa hora tiene que estar en la cama.

Esta es la premisa de la que parte Kick-Ass, la última película del británico Matthew Vaughn.

Kick-Ass es la versión cinematográfica del comic del mismo nombre que vió la luz de la mano del guionista Mark Millar y el dibujante John Romita Jr.

Para los que no estén familiarizados con los comics de super-héroes aclararé que Mark Millar es el responsable de los guiones de las geniales sagas de Ultimate X-Men, Marvel Knigths Spiderman y Ultimate The Avengers. John Romita, por otra parte mi dibujante favorito, tomó el relevo de su padre como dibujante habitual de Spiderman y fue responsable de su mejor etapa cuando formó tandem con J. Michael Straczynski, otro genial guionista.

Puestos en antecedentes, hablemos de la película.

Kick-Ass es una película protagonizada por niños que no es para niños. Se trata de una propuesta violenta (de una violencia radical, de la que salpica) y de lenguaje soez (el que empleamos cuando nos vemos amenazados o asustados), rodada con un gran ritmo, en la que las escenas de acción están perfectamente dosificadas a lo largo del metraje y, sobre todo, muy muy divertida.

Vaughn nos muestra una sociedad dominada por la cultura audiovisual hasta tal punto que los ciudadanos (sobre todo los jóvenes) cuando presencian una agresión toman rápidamente sus móviles, no para pedir ayuda para el agredido, sino para grabar ese momento y correr a colgarlo en Youtube. Lejos de moralizar sobre esto el director se limita a mostrarlo y emplearlo como motor para el desarrollo de la historia.

Para ilustrar esto todavia más las redes sociales también cobran protagonismo al ser una de ellas el vehiculo elegido por el protagonista para darse a conocer y comunicarse con sus fans.

Kick-Ass es, a mi entender, un producto muy recomendable, sin ninguna pretensión, muy agradable de ver y sumamente entretenido al que lo único que puede reprochársele es lanzarnos el equivocado mensaje de que uno puede conseguir alcanzar sus sueños siempre que se lo proponga con la suficiente intensidad, perpetuando así esa gran mentira que supone la famosa frase "querer es poder".

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The Lovely Bones. Peter Jackson está en el limbo.

Susie Salmón, la joven protagonista de The Lovely Bones, la última película de Peter Jackson, es una niña que, tras ser asesinada por un vecino, queda atrapada en un mundo imaginario a mitad de camino en su ascenso al cielo. Allí permanecerá hasta que, al fin, tome conciencia de su propia muerte y se vea preparada para liberarse definitivamente de todos los lazos que la unen a su vida terrenal; momento éste en el que se reunirá con el resto de víctimas de su verdugo y completará su definitivo viaje al mas allá.

Ante semejante premisa quizá cabría preguntarse si los perdidos guionistas de Perdidos tenían conocimiento de esta película cuando escribieron el que iba a ser el definitivo y polémico final de la susodicha serie de televisión, ya que las semejanzas entre ambas son algo más que evidentes.

Pero no es esta la única duda que me asalta tras haber visto esta película. La principal pregunta que me viene inmediatamente a la mente una vez transcurridos los interminables 135 minutos que dura la proyección versa sobre que tipo de sustancia alucinógena habría consumido el director neozelandés durante el proceso de gestación del guión de la película para que sus efectos todavia pudieran manifestarse durante el rodaje de la misma.

La alucinada creación de Peter Jackson tiene un solo momento que hace que uno no acabe de arrepentirse en haber invertido tanto tiempo en verla. Se trata de un momento de absoluta genialidad. Una magistral secuencia en la que vemos como el monstruoso vecino de nuestra niñita está construyendo una casa de muñecas. La cámara se sitúa en todo momento dentro de las reducidas dependencias del juguete y solo conseguimos atisbar fragmentos del cuerpo y del rostro del psicópata a través de las puertas y ventanas de la casita. La idea de mostrar al animal salvaje que amenaza un feliz hogar es evidente y queda perfectamente plasmada en esta inquietante secuencia.

Y ya está, la película no tiene nada más que reseñar. Al menos no positivamente.

Un metraje innecesariamente largo, un sosísimo Mark Wahlberg (cosa que, por otra parte, no es ninguna novedad), una prescindible Rachel Weisz y una desaprovechada Susan sarandon lastran ya de por sí la película pero no son directamente responsables de su hundimiento. Lo verdaderamente grave, lo que de verdad hace que este proyecto fracase de forma estrepitosa (al menos en lo que a mí se refiere) es la toda la parte de la historia que transcurre en ese mundo imaginario que es el cielo de la protagonista.

Toda esa poesía y toda esa belleza que el director fue capaz de crear y transmitir a través del mundo de fantasía que imaginaban las mentes de las protagonistas de Criaturas Celestiales aquí brilla por su ausencia. En The Lovely Bones Jackson no nos emociona. Sus imágenes no son poéticas. Sus imágenes solo nos dicen: mirad, mirad cuantas cosas aprendí a hacer con el ordenador mientras rodaba El Señor de los Anillos,...ahora voy a poner mas amarillo aquí y voy a transformar las hojas de este árbol en golondrinas verdes que saldrán volando. Que mas da que no simbolice nada,...a mí me gusta como queda,...ponle mas colores a ese cielo, anda.

Y luego está la niña protagonista que, para una vez que contacta con el mundo de los vivos a través de una especie de médium, en lugar de desenmascarar a su asesino aprovecha esta ocasión única para morrearse con el chico que le gustaba de su escuela. Para mear y no echar gota, vamos.

Para acabar de completar la jugada también podremos ver en la película un pequeño cameo del propio Peter Jackson haciendo de un cliente que prueba una cámara de 8 mm en una tienda de fotografía a la que acude el padre de Susie a recoger unos revelados.

Se trata una aparición fugaz, de las que le gustaba hacer a Alfred Hitchcock, lo cual me impulsa a decir: ¿emulando al maestro?...no me jodas, Peter, no me jodas.

Para ver el trailer pinchad aquí.

Boardwalk Empire. Nuevo trailer.

Ya circula por internet un nuevo trailer de Boardwalk Empire, la serie que rueda Martin Scorsese para HBO.
Esto cada vez pinta mejor.

Promocionando la cuarta temporada de Mad Men.

Ya tenemos trailer promocional de la cuarta temporada de Mad Men. Como no podía ser de otra forma el trailer resulta tan original e inteligente como la propia serie. Un gran comienzo, sin duda, para una temporada que promete.

50 años de la ducha mas famosa de la historia del cine.

Es semana de aniversarios.
Tras cumplir ayer 50 años "El Apartamento" hoy lo hace otra de las grandes de uno de los grandes. Hoy mismo hace medio siglo que Alfred Hitchcock consiguió que un acto tan relajante como tomar una ducha pudiera convertirse en una experiencia aterradora.
Hoy hace 50 años que el maestro del suspense rodó "Psicosis".

El Apartamento. Medio siglo de una obra maestra.

Hoy cumple 50 años una de las mejores películas de todos los tiempos. Se trata de El Apartamento, un genial y agridulce retrato de dos perdedores filmado por el inigualable Billy Wilder en el que es, sin duda, su mejor trabajo. Una indiscutible obra maestra que uno no se cansa nunca de ver.

The Cove. De como Flipper llegó a los supermercados.

Se estrena en nuestras pantallas The Cove, ganadora del premio al mejor documental en la pasada ceremonia de los Oscars.
El documental, rodado en su mayor parte con cámara oculta, nos muestra, en clave de thriller, como se está llevando a cabo la matanza indiscriminada de delfines en una recóndita cala de un pequeño pueblo japonés.
La carne obtenida de forma tan cruel es vendida posteriormente en los supermercados etiquetada como carne de ballena, de manera que el pueblo japonés la consume desconocedor de su verdadera naturaleza e ignorante, a su vez, de estar ingiriendo un producto poco recomendable para su consumo a causa de su alto contenido en mercurio.
Al margen de los valores cinematográficos que este trabajo pueda, o no, tener (yo todavía no lo he visto) no deja de ser recomendable su difusión con la esperanza de que, ante la presión internacional y del propio público japones, el gobierno nipón decida dejar de prestar su apoyo a tan deleznable práctica.

El Silencio de Lorna. El arte de la elipsis.

Siguiendo con el goteo de cine de autor que va llegando a nuestro país, hoy he tenido la ocasión de ver El Silencio de Lorna, la estupenda película que los hermanos Dardenne presentaron en Cannes en el 2008 y que llega ahora, dos años después, a nuestras pantallas.

Los geniales gemelos belgas, sin menospreciar a mis queridos Hernández y Fernández, vuelven a ofrecernos un duro relato de drama social centrado en una mujer, como ya ocurriera en Rosetta, aderezado, en esta ocasión con ribetes de cine negro.

La escrutadora cámara de los Dardenne se pega a los rostros de los personajes y nos transmite todas sus emociones a lo largo de una historia en la que el dinero y el deseo de una nueva vida es el "Leif motiv". No es para nada gratuito el hecho de que lo que primero nos muestre la cámara nada mas comenzar la película sea un fajo de billetes.

Lorna es una chica albanesa que acaba de contraer matrimonio con Claudy, un ciudadano belga adicto a la heroína. Se trata de un matrimonio concertado con la única finalidad de que la chica pueda conseguir la ciudadania para, así, tras deshacer dicho matrimonio, poder casarse nuevamente por conveniencia con un ciudadano ruso que también desea la ciudadania belga. Lorna pagará 5.000 euros a Claudy por el matrimonio y recibirá, a su vez, 10.000 euros del ruso. Con ese dinero espera completar el préstamo que le ha concedido su banco y montar un negocio que le permita comenzar una nueva vida con su novio.
La película se estructura en dos partes separadas por una brusca y desestabilizante elipsis.

Durante la primera parte asistiremos al desarrollo de los cotidianos quehaceres de la protagonista. Durante toda esta parte las escasas conversaciones resultan superfluas ya que lo verdaderamente importante no es lo que Lorna dice sino lo que Lorna nos transmite y, mas aún, lo que Lorna calla.

Es en la segunda parte en la que asistiremos, completamente desestabilizados, al derrumbe de la promesa de una nueva vida que no ha podido soportar el tener que ser construida sobre unos cimientos basados en intercambiar una vida humana y la moral misma por un puñado de billetes.

Fábula moral, por tanto, mezclada con drama humano en la que los Dardenne nos muestran, que no juzgan, un personaje al límite que acaba teniendo que inventar una vida para compensar la que ha sido borrada a causa de su silencio.

Para ver el trailer pinchad aquí.

Mammoth. La familia en vías de extinción.

Por fin nos ha llegado Mammoth, la última realización de Lukas Moodysson...y solo con un año de retraso.

Las anteriores películas del director sueco versaban sobre la familia. Una familia caracterizada por la ausencia de los padres y en la que los hijos acusaban una temprana pérdida de la inocencia alcanzada a través del descubrimiento, generalmente de forma violenta, de la crueldad del mundo real.

Los hijos de las películas de Moodysson se ven en la necesidad, por otro lado, de establecer los vínculos afectivos necesarios para su desarrollo con personas ajenas a su nucleo familiar (un niño criado en las calles en Lilja 4-ever, una compañera de instituto en Fucking Amal, una comuna hippie en Juntos,...).

En estos aspectos Mammoth es un trabajo consecuente dentro de la trayectoria del director.

Aunque las imágenes iniciales del film podrían hacernos creer que, en esta ocasión, nos encontramos ante una familia ideal y completamente feliz, pronto nos damos cuenta de que los padres siguen ausentes ya que los continuos viajes del padre, un geek de los videojuegos reconvertido en rico ejecutivo, y los turnos de trabajo de la madre, cirujana en un hospital, han obligado a su hija a desviar su afecto hacia Gloria, su niñera filipina.

Ajenos a esto, tanto Leo, el padre, como Ellen, la madre, siguen convencidos de que son felices dentro de esa vida que han construido a su medida. Será durante una nueva ausencia de Leo, por viaje de negocios a Tailandia, cuando ambos, de diferentes formas, descubrirán las carencias de esa vida artificial que se han creado y contemplarán el derrumbe de su castillo de naipes.

Sin duda, para Moodysson, la familia tradicional es un fenómeno en vias de extinción al igual que el prehistórico animal que da título a la película.

Sin embargo, si bien en cuanto al planteamiento de ideas, Mammoth es un trabajo consecuente dentro de la trayectoria del director, no lo es tanto en cuanto a su planteamiento formal.

Moodysson pretende, en esta ocasión, darle un aspecto globalizador a su cine incluyendo una trama en filipinas centrada en como viven su infancia y toman conciencia de la brutalidad del mundo real los niños filipinos. De la misma manera, pretende mostrarnos como se trata de la necesidad la que establece el valor de las cosas (la pluma mas cara del mundo, fabricada con hueso de mamut puede no tener ningun valor y acabar formando parte de un lote cuyo valor no supere los 25 dólares cuando la necesidad aprieta a las gentes mas desfavorecidas). Es en ambos aspectos en los que, a mi entender, la película patina, por emplear recursos descaradamente aleccionadores y simplistas. Llevar a un niño a un vertedero para que contemple como otros niños como él andan rebuscando entre la basura algo que llevarse a la boca para que entienda lo afortunado que és por la vida que está llevando me parece una reducción excesiva del problema, tanto por pretender que con eso quede solucionado el daño que causa en el niño el tener que atravesar la infancia sin la madre como por pretender que la solución a esa acuciante pobreza que azota al país sea ir a buscarse las castañas fuera de él.

En resumen podría decirse que la última película de Lukas Moodysson es un trabajo circular (finaliza con un plano calcado al plano con el que arranca la historia) aunque no redondo, con una trama, la filipina, que no acaba de engranar con el resto y que no logra abarcar tanto como quizá pretenda. No por ello deja de ser un trabajo Notable en su conjunto.

Para ver el trailer Pinchad aquí.

Un buen motivo para ver Mad Men.

Un rostro dulce como pocos, una gran interpretación, un cuerpo de escándalo. January Jones da vida al personaje de Betty Draper, una muy muy buena razón para ver Mad Men.

Para ver una de sus grandes apariciones en la serie pinchad aquí.

El Imaginario del Doctor Parnassus. El tripi de Terry Gilliam.

Si hay algo de lo que no me cabe la menor duda es de que a Terry Gilliam le ha mirado un tuerto.

Tras haber tenido que abandonar el rodaje de su esperada versión de Don Quijote a causa, entre otras muchas cosas, de los graves problemas de espalda de su protagonista, Jean Rochefort, tuvo que buscar una solución de urgencia para evitar que su siguiente proyecto, El Imaginario del Doctor Parnassus, sufriese el mismo destino tras la repentina muerte de su protagonista, Heat Ledger.

El Imaginario del Doctor Parnassus es una mezcla de Alicia en el País de las Maravillas, Fausto y el propio imaginario de Terry Gilliam que da como resultado dos horas de delirios apoyados en un endeble guión y cuya única finalidad es justificar un despliegue de efectos especiales y escenarios digitales que, lejos de aportar nada a la historia, solo sirven para apabullar a un espectador que acaba por desentenderse completamente de una, ya de por sí, nada interesante historia.

Lo mas interesante de esta película reside, precisamente, en la forma como el director resolvió el hecho de quedarse sin protagonista.

Dado que, cada vez que uno pasa al otro lado del espejo, toma cuerpo el mundo que existe en su imaginación y refleja su verdadera personalidad Gilliam decidió que esa faceta de la personalidad que quedaba al descubierto comportara también un cambio físico en el personaje. De esta manera el Tony (Heath Ledger) del otro lado del espejo es interpretado por diferentes actores (Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell) según la vertiente de su personalidad que había que reflejar. Una solución a la par creativa e inteligente que logra enriquecer en algo la película.

Sin embargo, y a pesar de lo creativa que pueda resultar esa decisión, lo cierto es que la inconsistencia de un guión que permite que se desaprovechen personajes tan interesantes como el de ese diablo interpretado por Tom Waits o el del propio Doctor Parnassus condenado a la vida eterna y que no desarrolla convenientemente ni esa relación de amistad/odio entre ambos ni las ¿diferentes? facetas del personaje de Tony condena a la película a no ser más que una infumable paja mental de un Terry Gilliam cada vez mas pasado de vueltas.

Al terminar la proyección uno no puede evitar preguntarse que habrá sido de ese director que nos ofreció una obra maestra como El Rey Pescador , esa joya que es Brazil , la muy interesante 12 Monos y la divertidísima Los heroes del Tiempo. Confiemos en un pronto regreso.

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The Girlfriend Experience. Una pequeña joya.

Steven Soderbergh es, sin duda, uno de los realizadores mas interesantes del panorama actual. Director camaleónico donde los haya no duda en alternar las producciones mas comerciales (la trilogía Ocean´s) con producciones de corte independiente (Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo, The Girlfriend Experience) siendo el ejemplo que más claramente ilustra la dicotomía de este director su díptico sobre Ernesto "Che" Guevara donde claramente se amalgaman ambas formas de rodaje.

En cualquier caso, lo cierto es que, tanto cuando se trata del Soderbergh mas comercial como cuando nos encontramos frente al Soderbergh de corte "indie", e incluso cuando aborda una aventura tan atrevida como es el remake de una película del maestro Tarkovsky (Solaris), el resultado acostumbra a ser, cuanto menos, notable.

Yo, particularmente, me decanto por su cara mas experimental e independiente que es la que acostumbra a ofrecerme mas satisfacciones. Ya lo hizo en su día con Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo (película que deseo revisitar en breve), algo mas recientemente con ese mágnífico mosaico que es Traffic y ahora con esta joya que ha resultado ser The Girlfriend Experience, película que acabo de ver.

En esta película, y en apenas ochenta minutos, Soderbergh nos va mostrando el día a día de Chelsea, una prostituta de lujo que ofrece sus servicíos en Manhattan.

Los servicios que Chelsea ofrece no son simples servicios sexuales, de hecho, en toda la historia, nunca llegaremos a ver ni un solo acto sexual, estos transcurren siempre fuera del plano. Se trata (aqui se muestra lo acertado del título original) de una completa "experiencia de novia" en la que la protagonista concerta una cita con su cliente, cena con él, en ocasiones incluso van al cine (a ver la película) y conversan sobre el tema por el que él muestre interés, tal y como haría una pareja de novios habitualmente, para terminar pasando la noche juntos en una habitación de hotel. A la mañana siguiente ambos desayunarán juntos manteniendo una agradable conversación y finalmente se despedirán tras concertar una nueva cita para otro día.

En cada cita Chelsea se convierte, por tanto, en aquella acompañante que el cliente desea/necesita y con la que aquél puede mantener conversaciones sobre temas que le inquietan y que, generalmente, no interesan a su pareja habitual (el trabajo, la crisis económica, las futuras elecciones presidenciales,...). De esta forma colmará no solo las necesidades sexuales sino también las necesidades comunicativas e incluso afectivas de cada uno de sus clientes.

Paralelamente a las idas y venidas de Chelsie, viviremos también el día a día de su novio, Chris, con el que lleva viviendo algo más de un año.

Chris es monitor en un gimnasio y, fuera del trabajo, en ocasiones acompaña a algún cliente en viaje de negocios ofreciéndoles su consejo y opinión. A su manera, también Chris mudará de piel a fin de adaptarse a su cliente y se convertirá en el acompañante que éste requiera.

No son tan diferentes Chris y Chelsea, Chelsea y Chris, quizá es por eso que están juntos ya que amarse, no da la impresión de que se amen. Sus citas no se diferencian en nada de las que Chelsea mantiene con sus clientes.

Todo esto nos ofrece esta estupenda película que es The Girlfriend Experience. Una joya de algo menos de ochenta minutos de duración rodada cámara al hombro, con un muy cuidado estilo documentalista que resulta de lo más acertado y excelentemente interpretada por un reparto absolutamente desconocido en el que brilla sobremanera el trabajo de Sasha Grey, una estrella del porno que nos demuestra aquí que el ser una cotizada y polémica pornostar no tiene porqué estar reñido con ser una buena actriz.

Una película absolutamente recomendable que, sin embargo, no ha sido estrenada en nuestros cines (de momento solo podrá accederse a ella comprándola en el extranjero o descargándola por Internet) y que cuenta con el mas emocionante abrazo que se haya rodado en mucho tiempo.

Hay que verla, disfrutarla,... y hablar de ella.

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Cherí. Aburrimiento con estilo.

El pasado fin de semana fué de esos en los que más me hubiera valido no haber salido de la cama ni para mear.

Tras una más que problemática labor de renovación de la suscripción de mi antivirus McAfee, un infructuoso intento de planificación de las vacaciones estivales, un importante golpe en mi rodilla derecha y un nuevo descalabro en mi participación en la liga de Squash patrocinada por el Club de Squash Valencia, en la que solo he conseguido una victoria en las ya cuatro partidas que llevo disputadas, llegó a mis manos (mi mano), de forma totalmente gratuita, Cherí, la última película de época dirigida por Stephen Frears.

Cherí tenía todos los ingredientes que podían hacer que, finalmente, el fin de semana no fuese un completo fracaso; A saber: Michelle Pfeiffer (una de mis actrices favoritas), Christopher Hampton (responsable del estupendo guión de Las Amistades Peligrosas), una historia ambientada en la Belle Epoque francesa y, tras la cámara, Stephen Frears, director de películas tan estupendas como Mi hermosa lavandería, Ábrete de Orejas, Las Amistades Peligrosas, Sammy y Rosie se lo Montan, Los Timadores, Café Irlandés , Mrs. Henderson Presenta o, mas recientemente, The Queen.

Las expectavivas eran grandes, casi tan grandes como la decepción que acaba generando el visionado de la película.

El rodaje del film es correcto, cosa que, por otro lado, era de esperar y la ambientación impecable, lo que tampoco constituyó ninguna sorpresa. El problema es que la falta de sorpresa también es la tónica general de la película.

El relato se centra en la improbable historia de amor de Lea De Lonval, prostituta de alto standing ya inmersa en la cuarentena (interpretada por la estupenda y bellísima Michelle Pfeiffer) y el joven Cherí, hijo de una antigua compañera de correrías y rival de Lea. Una historia de amor que, además de resultar poco creible, es de lo mas previsible y en ningún momento alcanza a emocionar.

En torno a esta historia volvemos a encontrarnos, como ya ocurría en Las Amistades Peligrosas, con una clase social elevada cuyo único entretenimiento frente a un día a día monotono y aburrido resulta ser el chafardeo y la invención de intrigas amorosas. Aspecto éste que resulta desaprovechado al quedar solamente esbozado, de igual forma que sucede con el posible complejo de Edipo que parece apuntar el tan melancólico como soso protagonista interpretado por Rupert Friend.

En resumen podríamos decir que Cherí resulta un tedioso y previsible film muy bien ambientado, correctamente dirigido y solventemente interpretado, particularmente por el plantel de actrices femeninas.

Lo mejor: el plano final en el que Lea De Lonval, cara a la cámara, explora su rostro con sus manos tomando así conciencia del declive causado por el paso del tiempo y comprendiendo, al fín, que su época ya ha pasado.

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