Fantastic Mr.Fox. Fantástico Wes Anderson.

Últimamente he visto Donde Viven los Monstruos, Alicia en el País de las Maravillas y Fantástico Mr.Fox, tres películas adaptadas de la literatura infantil. Confío que esto no esté relacionado de algún modo con mi reciente entrada en la cuarentena.
Esta última experiencia cinematográfica, Fantástico Mr.Fox, es la que más satisfactoria ha resultado con diferencia.
Wes Anderson adapta aquí un relato de Roald Dahl, el famoso autor de la novela Charlie y la Fábrica de Chocolate, ofreciéndonos una película dinámica, muy divertida, que hará las delicias de los niños y que tiene un claro mensaje para los adultos.

Anderson huye de la animación digital para rodar esta historia y se decanta mejor por el empleo de la técnica Stop-Motion que, como sabréis, es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. La frecuencia de grabación es, igual que en el cine, de 24 imágenes por segundo, para que el ojo humano pueda percibir un movimiento continuo. Para 1 minuto de grabación se necesitan 1500 imágenes fijas aproximadamente. Cada una de esas imágenes fijas se consigue realizando pequeñas variaciones en la forma o posición de un objeto fabricado de material maleable y fotografiándolas después de cada cambio. Todo ello sobre un decorado de imagen real. Todo un trabajo artesanal.
Wes Anderson adopta este método y lo hace apropiándose incluso de sus imperfecciones puesto que a lo largo de toda le película puede apreciarse el movimiento, a modo de vibración, del pelo que recubre los cuerpos de los protagonistas.
Se trata éste de un artefacto habitual de este tipo de realizaciones y es debido a la deformación que, sobre dicho pelo, provoca el contacto de los dedos del animador cada vez que toma en sus manos la marioneta para ir modificando su posición entre foto y foto.
Este efecto consiguió evitarse en otras producciones mucho mas antiguas simplemente cambiando el material de fabricación de dicho pelo, de forma que, podemos suponer que el director ha preferido que este (d)efecto pueda apreciarse para, así, de alguna manera, representar como en toda obra, cinematográfica o no, siempre queda patente la impronta de su autor.
En todo caso, tenga yo razón en esto o no, lo cierto es que el resultado es una obra maravillosa en la que Wes Anderson, nuevamente, nos presenta a un personaje que no encuentra su sitio en la vida que le ha tocado vivir. En este caso por tratarse de un animal salvaje que, a fin de tomar la responsabilidad de su nueva vida adulta, se ha visto en la obligación de adoptar una existencia domesticada traicionando así a su propia naturaleza.
Especial atención a dos escenas geniales: la del encuentro de nuestro señor zorro con el lobo en la que, a pesar de su mutuo odio, ambos se saludan con el puño en alto animándose así en su lucha por mantener un estilo de vida salvaje y la del brindis del señor zorro arengando a su público para que permanezca fiel a su ADN que es el que marca lo que en realidad son, animales salvajes.
Mensajes claros para los adultos, pues, que deberán ser explicados a los niños a fin de que vean que la película les anima a permanecer fieles a ellos mismos y a defender su propia naturaleza, no a convertirse en bestias descontroladas.

Para ver trailer, pinchad aquí.

Ciudad de Vida y Muerte. Crónica de una barbarie.

Además del Holocausto judío, a lo largo de la historia ha habido otros genocidios. Ha habido, hay, y, me temo, habrá, otras masacres además de la sufrida por el pueblo Judío a manos de los Nazis. Y esto es un hecho, ya no se trata de una mera opinión mía. Y esto es así porque el hombre es el animal racional capaz de las acciones mas irracionales que uno pueda imaginar. Capaz de los crímenes más aberrantes. Capaz de actos de destrucción inimaginables de los que hace víctimas no solo a otras especies sino a la suya misma ¿puede haber mayor estupidez?
Nanking, estrenada en nuestro país con el título de Ciudad de Vida y Muerte era una película necesaria ya que tendemos a pensar, muchas veces por culpa del propio cine, que solo ha existido un holocausto: el perpetrado por los Nazis; olvidamos otras barbaridades cometidas por las razones mas ridículas que pueda imaginarse: religión, territorios, una apestosa sustancia negra procedente del subsuelo,…
A mediados de Diciembre de 1937 los japoneses superan las defensas de Nanking, que en ese momento era la capital china, y toman una ciudad en la que solo quedan soldados y civiles puesto que todos los oficiales chinos han huido. A partir de ese momento las tropas niponas dan comienzo a una serie de salvajes actos que culminan con la escalofriante cifra de 300.000 muertos y cerca de 20.000 violaciones.
Ciudad de Vida y Muerte es la crónica de esa barbarie. Una crónica tan necesaria como dura de ver.
El director chino Chuan Lu toma las riendas de este proyecto y lo aborda desde una perspectiva casi documental, sin ánimo de venganza, mostrando en un más que apropiado blanco y negro lo desgarrador de los hechos acontecidos.
La película es prácticamente muda. Sobran las palabras. Hablan los rostros, los gritos, el sonido seco de los disparos, los atronadores cañonazos.
Durante los 135 minutos que dura la proyección veremos una serie de personajes, de uno y otro bando, cuyos destinos se van cruzando con gran realismo, lejos de sensiblerías fáciles y maniqueísmos, sin abandonar nunca ese estilo documental. Asistiremos, igualmente, a momentos memorables como es el hecho de ver al propio representante de Hitler en Nanking llorando por no haber podido salvar a los civiles que creía tener protegidos en la zona de refugiados y a la magnífica secuencia de la danza de celebración de la victoria entre las ruinas de una ciudad devastada y que finaliza frente a los pocos supervivientes de los vencidos.
Ciudad de Vida y Muerte es una película, por lo tanto, necesaria de ver; no solo porque se trate de una grandísima obra sino porque somos tan enormemente estúpidos que necesitamos que se nos recuerde continuamente que este tipo de cosas pasan y que somos los únicos responsables de que ocurran. Quizá con mas obras como esta llegue el día en el que no existan lugares en los que sea, como dice el personaje del sargento japonés Kadowaka en la película, mas fácil morir que vivir.
El propio director con el final de la película deja un resquicio a la esperanza. Confiemos pues.

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Alicia en el País de las Maravillas. De como la poesia se perdió por el camino.

Como ya hiciera Steven Spielberg en Hook, Tim Burton nos presenta en Alicia en el País de las Maravillas el retorno a un universo fantástico de una Alicia amnésica y ya talludita.

El despliegue visual de la película es absolutamente deslumbrante; cosa que, tratándose de Burton, resulta habitual. El desarrollo argumental , por el contrario,es absolutamente banal.

Alicia llega al País de las Maravillas en su huida de las normas que una sociedad encorsetada pretende imponerle al intentar obligarla a contraer matrimonio con un estirado noble aquejado de problemas digestivos.

Dicha huida la realizará persiguiendo a un conejo ataviado con chaleco y chistera que Alicia considera fruto de su imaginación. Durante la persecución acaba cayendo a través de un profundo agujero que la lleva hasta el País de las Maravillas, un lugar que no recuerda haber visitado antes pero en el que todos sus extraños habitantes parecen conocerla.

Burton nos muestra un País de las Maravillas ruinoso y atemorizado a causa de los desmanes de la tirana Reina de Corazones y que espera con ilusión el retorno de la niña ya que ésta, según una profecía, será la encargada de liberarlos del yugo de la dictadora para que pueda reestablecerse el reinado de la bondadosa Reina Blanca. De tal forma, la Alicia de Tim Burton adquiere un carácter Mesiánico del estilo del Neo de Matrix.

Por lo tanto,...Nada nuevo bajo el sol. Un Tim Burton también atrapado dentro del corsé de la corrección y el didactismo nos muestra la eterna lucha del bien contra el mal , de la luz contra la oscuridad; en suma, de la reina roja contra su hermana, la reina blanca en una historia que ya hemos visto miles de veces (Star Wars, El Señor de los Anillos,...) y que carece casi por completo del toque poético que podíamos encontrar en sus anteriores realizaciones.

Digo que casi por completo porque si que puede apreciarse un atisbo de esta poesía en el que, para mí, es, sin duda, el mejor momento de la película; la secuencia en la que la Reina de Corazones, ya derrotada, queda irremediablemente unida al mal y prefiere elegir ser temida a ser amada.

En definitiva, una película muy muy floja y muy muy decepcionante por venir de uno de mis directores preferidos y que obliga a plantearse una cuestión: ¿para que tomarse la licencia de alterar una obra literaria archiconocida si con ello no vas a contar una historia nueva?...digo yo.

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Boardwalk Empire. La serie de Scorsese para HBO.

Por fin tenemos el trailer de la nueva serie que Scorsese está rodando para HBO.
Scorsese, gangsters, HBO,...la combinación resulta explosiva y, sin duda, promete. Ya ardo en deseos de ver el resultado final. Confío en que no tardemos mucho en poder disfrutar de la serie, en principio esta prevista para el próximo Otoño. De momento sirva esto como aperitivo,...a disfrutar.

Las Viudas de los Jueves. Lo que pudo ser y no fue.

Hace tiempo que tenía ganas de ver lo último de Marcelo Piñeyro, de forma que, en cuanto he tenido ocasión de conseguirlo me he apresurado a prepararme un pase en casita y en buena compañía. Pues sí, lo lamento pero no he pagado un Euro por verla, salvo la cuota mensual de mi ADSL, claro. Aunque, en mi descargo, tengo que decir que este largo fin de semana (para mí a sido de tres días) he dejado bien cubierto mi cupo de visitas a las salas de cine con las películas Ajami y Alicia en el País de las Maravillas. En breve comentaré ambas, hoy voy a centrarme en Las Viudas de los Jueves, la última realización de Marcelo Piñeyro.
La película se desarrolla físicamente entre los muros de un Country, una urbanización de lujo donde la clase media alta Argentina vive una tan apacible como falsa y vacía vida. Temporalmente, nos encontramos en el momento histórico en el que los hechos de “El Corralito” dejaron a todo el país en bancarrota.
Un largo y estupendo travelling submarino inicial nos muestra los cadáveres de tres personas flotando en una de las piscinas del Country,… ¿el misterio está servido?
Me temo que no. De la misma forma que la película va dando saltos atrás y adelante en el tiempo a fin de mostrarnos los hechos que han llevado a tamaño desenlace también el director parece ir dando tumbos acerca del tipo de historia que pretende contarnos.
El comienzo, al igual que el trailer promocional, es el de un Thriller, pero en todo el desarrollo posterior no hay tensión, ni misterio, ni giros argumentales. Descartamos el thriller.
A través de esclarecedoras conversaciones entre los personajes y de las imágenes de los televisores de estos nos llegan noticias de los acontecimientos que están poniendo a todo el país patas arriba ¿Podríamos, entonces, estar ante un film de denuncia política y social?
Las referencias a la clase política, al descalabro económico y como esto se filtra a través de los muros de la urbanización para acabar contaminando su perfecta comunidad es algo que tampoco se desarrolla mucho mas allá de esas ocasionales conversaciones a las que antes he hecho referencia y al hecho de la pérdida del empleo por parte de uno de los protagonistas. Descartamos también, pues, el film político-social.
Un mujer insatisfecha que mantiene latente su homosexualidad hasta que la llegada de una nueva vecina le hará destaparla, una mujer maltratada, dos adolescentes sin rumbo,… ¿será la familia el tema?
Tampoco estos aspectos se desarrollan más allá de lo reseñado. Descartado queda, pues, el psicodrama familiar como tema central.
Al final ¿Qué nos queda?
Pues bien, lo que tenemos, lo que yo creo que tenemos, es una película muy bien interpretada, con unos personajes demasiado estereotipados –el graciosillo que cae bien a todos pero al que nadie toma en serio, el pusilánime ninguneado por todo cristo viviente, el violento reconcomido por la culpa y, como no, el hijoputa con carisma de cuya mano comen todos los demás-, con una muy buena puesta en escena –especialmente a la hora de retratar, mediante perfectos y simétricos encuadres, la apacible y aséptica vida dentro del Country- a la que le falta fuerza y que no acaba de encontrar su camino, a pesar de mostrarnos aspectos interesantes. Una película lastrada sin duda por el tipo de narración (pienso que una narración lineal la hubiera beneficiado más) y poco comprometida que se ve con tanta facilidad como luego será olvidada.

Para ver el trailer pincha aquí.

La gran mentira de los Blu-Ray.

Hoy he recibido mi última compra proveniente del otro lado del Atlántico. Se trata del Blu-ray The Terminator, esa joya dirigida por James Cameron en 1984, y que me ha servido para constatar lo que ya se venía escuchando (leyendo) por multitud de foros de internet: Las distribuidoras de DVD y Blu-Ray nos toman el pelo.

Me explico. Ante la imposibilidad de conseguir esta edición en España (no está editada en Blu-ray ni hay noticias de próxima edición) me apresuré a intentar localizarla en el extranjero.

La película puede encontrarse con facilidad en Amazon.co.uk y también en Amazon.com, pero en ambos casos se trata de la edición americana.

Dicha edición dispone de subtítulos en castellano, pero, tanto en la información facilitada por la distribuidora a Amazon, como en la propia carátula del Blu-ray, se nos indica que se trata de un disco Zona 1. Como sabeis, los discos Zona 1 solo pueden reproducirse en reproductores zona 1, es decir, de Estados Unidos y Canadá y no en reproductores Europeos puesto que estos son Zona 2.

Pues bien, y aqui viene lo bueno, en muchas ocasiones, y esta es una de ellas, la distribuidora miente de forma descarada. Esta película, que segun la información que aporta no podría verse en mi reproductor, se ve perfectamente. Pero claro, la cuestión es que me he hecho con ella por solo 12€, gastos de envio incluidos, en lugar de pagar los 30€ que seguro que valdrá el día que se edite en España.

Seguiré buscando gangas por alli fuera, pese a quién pese. Es hora de que dejen de tratarnos como si fuesemos idiotas.

Aqui os adjunto una dirección de total confianza en la que puede comprobarse la zona real de reproducción de una película. A mí me ha resultado muy util.

La dirección es http://bluray.liesinc.net/.

Adiós a John Forsythe.

Trabajó con Hitchcok en Pero, quién mató a Harry? y en Topaz, fué durante años la voz sin rostro del jefe de Los Ángeles de Charly, fué el famoso Sr. Carrington en Dinastia, el serial de los seriales,...

El pasado 1 de Abril se apagó otra estrella. Descanse en paz.

The Pacific estará bien como océano, pero como serie...

...no tiene nada de especial. La factura técnica de The Pacific es impecable claro que, estando Tom Hanks y Steven Spielberg a cargo de la producción, eso era algo de esperar. Sin embargo, la calidad de la narración ya es otro cantar.
Tras ver los dos primeros episodios puedo decir que me he encontrado con los peores vicios del género bélico americano. Y me refiero a arengas ultrapatrióticas, batallas plagadas de actos heroicos por parte de los marines norteamericanos y en las que solo se ve morir a los malvados japoneses, playas especialmente limpias plagadas de cadaveres perfectamente organizaditos y el sempiterno mensaje de que los marines son un regalo enviado directamente del cielo para salvar a la humanidad (una de las perlas que pueden escucharse en el inicio del primer capítulo es la frase "olvídense de Hitler y Mussolini, olvídense de lo que ocurre en Europa, ya acudiremos a salvarles cuando nos pidan ayuda" dicha por un oficial norteamericano a sus tropas).
Todo esto estaba de alguna manera justificado en las películas bélicas de los años 40, cuando parecía necesario alentar a la población, pero hoy en día,...
Hoy echamos de menos la visión humana que si que pudimos apreciar en Band Of Brothers, la anterior producción sobre la segunda guerra mundial de estos dos señores. En ésta si que nos encontrábamos con soldados humanizados que sufren, mueren, están desencantados y se cuestionan la necesidad de luchar en una guerra, necesidad que les será revelada cuando se den de bruces con el primer campo de exterminio nazi en una secuencia sobrecogedora.
En fin, seguiré viendo más capítulos a la espera de que éste haya sido un juicio apresurado. Cosa que, sinceramente, me gustaría.

Para ver un trailer pincha aquí.

The Ghost Writer ¿Convencional cine de autor?

El último estreno de Roman Polanski , The Ghost Writer, es una perfecta muestra de cómo un autor elige un texto, lo fagocita y lo termina devolviendo impregnado de todo su universo personal.
Este es un proceso que Roman ya había realizado en ocasiones anteriores, obteniendo resultados tan dispares como lo fueron la maravillosa Macbeth y la mediocre La novena Puerta, adaptaciones de las obras literarias de William Shakespeare y Arturo Pérez Reverte respectivamente (que curioso resulta hacer referencia, dentro de un mismo texto, a ambos escritores).
El texto elegido en este caso es el Best-Seller del mismo título escrito por Robert Harris.
Dicho relato es un thriller político que nos cuenta la peripecia de un escritor, maravillosamente interpretado por Ewan McGregor, que es convencido por su agente para acometer la labor de reescribir la autobiografía del que fuera primer ministro británico (personaje éste encarnado por un más que notable Pierce Brosnan) en la época en que Inglaterra decidió apoyar a estados Unidos en la invasión de Irak, tras la muerte, aparentemente accidental, del primer escritor elegido para tal empresa. Durante el proceso de investigación previo a la escritura del libro el protagonista irá descubriendo detalles de la vida del político que le llevarán a temer por su propia seguridad.
Como puede verse, el argumento resulta de lo más convencional y, probablemente, en manos de cualquier otro director, hubiera dado como resultado una peliculilla de acción carne de Blockbuster (si es que todavía queda alguno, claro).
Sin embargo Polanski, como decía al principio, lo que hace es darle a la historia su sello personal convirtiéndola así en todo un ejemplo de cine de autor.
Nos encontramos, pues, con muchas de las constantes del cine del director polaco como serían:
• El desasosiego del extranjero en tierra extraña (Frenético).
• Un personaje atrapado en un domicilio desconocido para él y que acaba sintiéndose perseguido y poseído por los hechos acontecidos con anterioridad en ese lugar mismo lugar (El Quimérico Inquilino, La Semilla Del Diablo).
• Una puesta en escena de atmósfera Kafkiana que va consumiendo al protagonista y poniendo en serio peligro el equilibrio de su salud mental (El Pianista, El Quimérico inquilino, Repulsión).
• El particularmente negro y cínico sentido del humor del autor (El Baile de los Vampiros).
Al finalizar la proyección, uno de los comentarios que pude escuchar fue:
- No está mal, pero no es El Pianista.
Cierto, no se trata de El Pianista. El Pianista es una película extraña, en la que Polanski eleva sus miedos y obsesiones al máximo exponente y nos muestra el holocausto judío exactamente como lo que fue, una experiencia completamente Kafkiana por la que toda una raza se vio perseguida, humillada y progresivamente aniquilada sin motivo alguno.
Evidentemente, The Ghost Writer es otra cosa. Es una de las obras más convencionales de Roman Polanski; una obra con una puesta en escena inquietante, una banda sonora burlona y sugerente al mismo tiempo, un humor cínico que se hace latente a lo largo de todo el metraje y un perfecto reparto en estado de gracia. Un sobresaliente alto, en suma.
Especial atención a la breve aparición del genial Eli Wallach y a la escena en la que el GPS dirige el destino de nuestro protagonista,…de lo mejorcito rodado por Polanski.

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Donde Viven Los Monstruos. El fin de la infancia,...creo

La última realización de Spike Jonze, Donde Viven los Monstruos, a pesar de estar basado en el cuento infantil del mismo título de Maurice Sendak, no es una película para niños,… o no debería serlo. La película es todo un tratado sobre la depresión infantil que se genera cuando el niño descubre que acaba de traspasar la frontera que lo lleva sin remedio a comenzar su andadura por el mundo de los adultos,…o debería serlo.
Lo cierto es que la película resulta, en muchos aspectos, una verdadera lástima. Y lo es porque, sin tratarse de una mala película, no podemos evitar la sensación que nos queda al finalizar la proyección de que el director ha desaprovechado la oportunidad de desarrollar en profundidad todas las posibilidades que ofrecía el relato.
La historia trata de un niño que padece una jornada especialmente frustrante en la que se ha sentido abandonado por su hermana, ridiculizado por los amigos de ésta y, finalmente, ignorado por su madre que, además, le obliga a soportar la presencia de su nuevo novio.
Tras estas vicisitudes sufre un acceso de ira en el que despliega una violencia que, intuimos, no es algo inusual en él y, enfundado en un disfraz de lobo, huye de su casa y acaba encontrando refugio en una isla habitada por unos monstruos que lo acogerán convirtiéndolo en su rey.
A partir de ahí es donde la historia comienza a esbozar aspectos muy interesantes y donde, al mismo tiempo, el guión comienza a hacer aguas.
Resulta muy interesante el hecho de que el primer monstruo que nuestro pequeño protagonista vea esté, en ese momento, siendo presa de un ataque de ira semejante al que él acaba de desplegar en su casa. Un ataque de ira, por cierto, fruto de una pataleta que ya no resulta acorde ni a su tamaño ni a su edad.
Y resulta todavía más interesante el hecho de que cada uno de los monstruos que habitan en esa extraña isla parecer reflejar diferentes aspectos de la propia personalidad del niño.
Los dos hechos referidos anteriormente nos hacen pensar que, en realidad, nos encontramos frente a un viaje introspectivo del niño dentro de su propia mente. Un viaje que le llevará a descubrir que esas rabietas ya no son propias de alguien que, como él, ha alcanzado ese momento en el que debe cruzar el umbral de la edad adulta y afrontar nuevas responsabilidades.
El problema del guión y, por ende, de la película, es que todos estos aspectos solo podemos intuirlos, o incluso adivinarlos, ya que no pasan de ser meros esbozos. La relación entre el niño y el monstruo principal- relación que le llevará a abrir los ojos y a descubrir que ha llegado el momento de abrazar su nuevo status en la vida- apenas está desarrollada y las personalidades de los restantes monstruos que forman esa curiosa sociedad no pasan de ser un ligero bosquejo.
En resumen, y como decía al principio, resulta una verdadera lástima que el director no haya sido capaz de dar a todos estos aspectos la profundidad necesaria para crear una gran película para adultos sobre el fin de la infancia y, por el contrario, haya optado por tomar el camino de en medio ofreciendo un relato que ni va dirigido al público infantil ni al adulto.
Con todo, se trata de una película visualmente muy atractiva y que se puede disfrutar con agrado (en versión original, por supuesto, ya que el doblaje al castellano resulta penoso). Para mí,…un 6.

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A Bout de Souffle. Medio siglo de una genialidad.

Corría el año 1960 y el cine, al menos para los integrantes y colaboradores de "Cahiers Du Cinema", se encontraba anquilosado tras ofrecernos, de forma continuada y durante treinta o cuarenta años, realizaciones excesivamente academicistas conformadas por la perfectamenente continuada sucesión de asépticos planos estudiados al milímetro. Truffaut ya había estrenado sus "Quatre Cents Coups" dando un soplo de aire fresco al panorama cinematográfico de la época y asentando así las bases de la "Nouvelle Vague", pero todavia no había sido suficiente. La situación requería que alguien dinamitara los cimientos mismos de la narrativa cinematográfica para que, desde sus restos, el cine pudiera renacer y reinventarse a sí mismo ofreciendonos nuevas y mas frescas realizaciones que fueran, de alguna forma, reflejo de la personalidad de su autor... Y en eso llegó Godard.

Jean-Luc Godard, salido de entre las páginas de "Cahiers du Cinemá", rueda una historia de amor y muerte contando para ello con tres protagonistas que resultan esenciales para alcanzar el magnifico resultado final: Jean Seberg (estrella norteamericana de reconocimiento mundial), Jean Paul Belmondo (ex-boxeador y actor completamente desconocido en esos momentos) y... París.
Godard contaba con un equipo de filmación muy ligero que podía manejar con muy poca gente. Eso le permitió integrar el rodaje dentro del bullicio de la capital francesa de forma que París deja de ser un mero decorado para pasar a ser parte del propio reparto.

Al finalizar el rodaje el realizador galo disponía de escenas suficientes para, con un montaje convencional, editar una película de dos hora y cincuenta minutos de duración. Este metraje fue reducido a noventa minutos en la sala de montaje sin eliminar ni una sola escena, solamente mediante la supresión de los contraplanos y el recorte del tiempo de transición entre escenas. El resultado: Una historia elíptica y a su vez fresca, innovadora, transgresora y absolutamente genial titulada "A Boutt de Souffle".

El pasado mes de Marzo esta película, una de mis favoritas, cumplió cincuenta años y, aprovechando dicha onomástica, me he hecho con la magnífica copia editada en Blu-Ray por Universal para revisitarla.

Para ver el trailer pinchar aquí.

Mi primera compra de Blu-ray en UK.

Hoy he recibido mi primera compra realizada a traves de amazon.co.uk. Se trata de un pack de las dos primeras temporadas de la genial Mad men en Blu-ray.
Hasta ahora no me habia decidido a comprar por esta vía, pero finalmente lo hice y el resultado ha sido estupendo. No solo he podido tener acceso de esta forma a una edición que, hasta el momento, no se puede comprar en España (aqui solo disponemos de esta serie en dvd) sino que, además, comprarla de esta forma me ha supuesto un ahorro del 50%, gastos de envío incluidos. Además, el pedido ha llegado via MRW solamente tres días después de haberse realizado. Economía, rapidez y comodidad ¿acaso puede pedirse algo más?

De todas formas, todavía encuentro alguna dificultad a la hora de realizar algún pedido ya que me parece que los productos, al menos los que he consultado, no disponen de una información demasiado detallada acerca de la versión, particularmente en lo que a idiomas de subtítulos incluidos se refiere. A este respecto agradeceré cualquier ayuda o consejo de alguno de vosotros que seais mas duchos en esto.

No obstante, dado el abusivo precio al que encontramos en este país los blu-ray, seguiré con las búsquedas de compras interesantes por esta vía a la espera de que los precios españoles sean mas aceptables.

Os iré mostrando lo que me vaya llegando de la pérfida alvión.

Fallece David Mills, genial guionista de the wire.

David Mills, uno de los “tres Davids” de HBO falleció ayer a sus 48 años, de forma repentina y en pleno rodaje, víctima de un aneurisma cerebral.
David era guionista, junto a David Simon, de la serie “The Wire”, una obra maestra indiscutible realizada para la televisión norteamericana, caldo de cultivo de la mejor ficción cinematográfica que puede disfrutarse en la actualidad.
Los amantes de las series televisivas, y del cine en general, lloramos por la pérdida de tan genial creador.
Descanse en paz.